Cette exposition devrait inciter les détaillants et autres musées de la mode — ainsi que les créateurs — à présenter les vêtements sur de vrais corps.
Le Met Gala d’hier soir était censé célébrer l’ouverture de la dernière exposition du Costume Institute du musée, Costume Art. Oui, le gala lui-même est devenu un phénomène pop-culturel polarisant et un mastodonte du marketing de marque, mais il est important de se rappeler qu’il y a un véritable art (et de la mode, d’ailleurs) derrière cet événement viral. Et cette année, l’exposition appelle à un examen plus approfondi de notre connexion humaine réelle, sous-cutanée, aux vêtements, qu’ils soient dignes d’E! News ou non.
Du 10 mai de cette année jusqu’au 10 janvier 2027, Costume Art présentera une collection vaste et variée de mode aux côtés d’œuvres d’art appartenant au Met Museum dans une exposition conçue par le conservateur du Costume Institute, Andrew Bolton. L’exposition explore les idées du corps habillé, mettant en lumière les liens entre la mode et l’anatomie humaine ainsi que les différentes manières dont le corps a été interprété par les artistes au fil du temps. Les vêtements seront présentés sur des mannequins spécialement conçus, dont beaucoup ont été moulés à partir de scans 3D de personnes réelles représentant une large gamme de tailles, de formes et de capacités, comme l’activiste Sinéad Burke, la mannequin Aariana Rose Philip, la musicienne Yseult et bien d’autres. À un moment où l’engagement de la mode envers la diversité corporelle s’est presque éteint au milieu du boom de l’Ozempic, une exposition muséale sur la mode présentée sur des mannequins réalistes (rappelez-vous que le mannequin moyen fait une taille 34 !) est une déclaration puissante.
En collaboration avec Bolton, la créatrice Michaela Stark (dont le corps a été scanné pour trois mannequins présentant ses créations) et l’artiste Samar Hejazi (qui a réalisé les têtes de mannequins en miroir), l’artiste contemporain basé à Brooklyn, Frank Benson, a fabriqué les mannequins fidèles à la forme qui ancrent Costume Art dans le quotidien. Le travail sculptural de Benson est créé à l’aide de la technologie de modélisation 3D. Ses pièces hyperréalistes, qui incluent un cycliste en plastique et une figure de pirate en position accroupie, ont été exposées au Met Breuer et au Whitney Museum. Tout son travail se concentre sur la capture du mouvement et de la forme organiques, des éléments qui s’alignent avec le thème de l’exposition de cette année.
Avec l’aimable autorisation du Costume Institute du Metropolitan Museum of Art
Ci-dessous, Benson s’est entretenu avec Bazaar au sujet de sa collaboration avec le Met pour Costume Art, pourquoi il était impatient d’explorer ce type de travail de mode dans sa propre pratique, et l’importance des mannequins fabriqués à partir de corps réels.
Comment ce projet a-t-il vu le jour ?
Le projet m’est parvenu par plusieurs voies. Je travaille avec New York Capture, un studio de scan 3D à Brooklyn, sur divers projets depuis 2022. Lorsque le Met les a approchés pour ce projet, le propriétaire, Ivin Ballen, m’a recommandé en raison de mon expérience sur d’autres projets de grande envergure dans les mondes de l’art et de la mode. J’ai également été recommandé par l’artiste David Kennedy-Cutler, qui a des liens étroits avec le Costume Institute du Metropolitan Museum of Art.
J’ai un intérêt de longue date pour l’intersection de la mode, de l’art et de la technologie — et pour les représentations du corps humain — donc l’opportunité de travailler avec l’une de mes institutions préférées au monde sur un projet qui combine tous ces intérêts était véritablement excitante.
L’aspect le plus difficile a été d’ajuster les proportions des mannequins pour que les vêtements tombent correctement. Certaines figures ont nécessité plusieurs séries de révisions pour obtenir les bonnes dimensions, mais avoir la capacité de sculpter numériquement puis d’imprimer en 3D des formes de test dans mon studio a été inestimable. L’équipe du Costume Institute a été extrêmement utile tout au long du processus.
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Pouvez-vous décrire le processus un peu plus en détail ?
Andrew Bolton, Stephanie Kramer (associée de recherche principale au Costume Institute) et Joyce Fung (responsable d’installation) ont amené leur premier modèle à New York Capture, où nous l’avons scannée à l’aide d’un dispositif de photogrammétrie avec 175 caméras. Les scans m’ont ensuite été envoyés et j’ai commencé à les sculpter numériquement dans ZBrush. Cela impliquait de supprimer les artefacts de scan, de remplacer la tête par une tête Schlappi modifiée, de lisser les surfaces, d’accentuer certains plis et de définir les mains et les pieds. J’ai également creusé des espaces d’habillage entre les cuisses et sous les bras — des détails pratiques importants pour la présentation.
Dans la plupart des cas, les modèles portaient des sous-vêtements près du corps et des chaussures à talons, qui ont dû être retirés numériquement ou fusionnés de manière transparente dans la surface du corps. Vers la fin du processus de sculpture, j’ai vérifié les mesures de circonférence des modèles 3D avant d’envoyer les fichiers approuvés au fabricant de mannequins. Nous avons répété ce processus pour 14 mannequins exposés, et l’ensemble du projet a pris environ huit mois.
Ce que j’ai trouvé le plus gratifiant, c’est comment le processus exigeait à la fois une précision technique et une sensibilité artistique simultanément — chaque figure présentait son propre ensemble unique de problèmes à résoudre.
Selon vos propres mots, comment les mannequins et le travail derrière eux reflètent-ils l’intention globale de l’exposition ? Qu’est-ce qui est important à savoir sur ce travail particulier que vous avez réalisé avec le Met ?
Ces mannequins sont essentiels à l’exposition pour deux raisons. Premièrement, ils représentent des types de corps qui ne sont généralement pas représentés par les mannequins standard, permettant aux vêtements conçus pour des modèles spécifiques d’être exposés comme prévu à l’origine. Deuxièmement, certains mannequins ont été conçus pour présenter des vêtements qui altèrent radicalement la silhouette du corps. Les mannequins de Michaela Stark, par exemple — créés pour présenter sa corseterie — capturent les plis et les renflements qui auraient été presque impossibles à réaliser sans le scan 3D et la sculpture numérique. Les mannequins aident à présenter les vêtements de la meilleure façon possible, soutenant l’argument central de Costume Art selon lequel la mode est en effet de l’art.
Comment ce projet et cette exposition s’inscrivent-ils dans votre pratique artistique globale ?
J’ai ressenti une connexion profonde avec ce projet dès le tout début, pour des raisons à la fois professionnelles et personnelles. Mon engagement avec la forme humaine en sculpture remonte à 20 ans, avec mon œuvre Human Statue, qui a été exposée au Met Breuer dans Like Life: Sculpture, Color, and the Body (2018). Ma deuxième œuvre dans cette série, Human Statue (Jessie), représente une femme dans une robe contemporaine avec une pose distinctement semblable à celle d’un mannequin — et c’était la première pièce dans laquelle j’ai utilisé la même combinaison de scan 3D, de sculpture numérique et d’impression 3D que j’ai employée pour créer ces mannequins.
J’ai également un engagement envers le thème de l’inclusivité. J’ai sculpté des têtes de mannequins pour la marque Telfar, qui sont apparues sur plusieurs types de corps différents dans leur présentation à la 9e Biennale de Berlin. Mon propre choix de modèles — comme dans Juliana, exposée à la Triennale du New Museum de 2015 et récemment dans S-Curve à la FLAG Art Foundation — reflète ce même engagement.
Au-delà des connexions techniques et formelles, j’ai un amour de longue date pour la mode et le dialogue avec le monde de la mode que vivre à New York rend possible. Ma mère, qui a un sens aigu du style, a étudié l’illustration de mode et a travaillé comme illustratrice en Virginie, donc la mode a toujours fait partie de mon éducation.
J’ai aussi adoré le film Mannequin étant enfant — il passait en boucle à la télévision pendant mes années formatrices — et les mannequins ont une présence riche et consacrée dans l’histoire de l’art. Charles Ray, l’un de mes professeurs à UCLA et sujet d’une récente rétrospective au Met, a utilisé des mannequins dans son travail avec un effet extraordinaire. Tout cela a fait de ce projet un véritable moment de boucle bouclée.
Avec l’aimable autorisation du Costume Institute du Metropolitan Museum of Art
La mode a-t-elle déjà été un axe central dans votre propre travail artistique ?
La mode et les vêtements sont définitivement apparus dans mon travail. Dans Human Statue (Jessie) — exposée dans Busted sur la High Line en 2014 et Post Human à la Jeffrey Deitch Los Angeles en 2025 — la figure porte une robe ample ressemblant à une tunique et des lunettes de soleil Versace vintage, le tout recréé en bronze. Ma sculpture Castaway, récemment acquise par le Whitney Museum of American Art, explore également une forme excentrique de mode assemblée à partir des détritus de la vie moderne. Certains éléments que porte le personnage — des bottines en cuir usées, un pantalon de football, un t-shirt en résille — provenaient de la propre garde-robe du modèle, tandis que d’autres, comme le chapeau en forme de limule et la gourde en bouteille de détergent, étaient des objets que j’ai ajoutés.
Un aspect particulièrement difficile de ce projet a été la création du mannequin pour la performeuse drag Goddess Bunny, décédée en 2021. Comme nous n’avons pas pu la scanner, j’ai dû sculpter numériquement le mannequin entièrement à partir de photographies et de matériel d’archives de référence — un processus très différent des autres, et qui m’a semblé être une responsabilité importante. J’ai également imprimé en 3D, assemblé et peint le mannequin de Goddess Bunny entièrement en interne, ce qui était un défi passionnant.
Pourquoi pensez-vous que cette exposition est importante en ce moment, par rapport aux mondes plus larges de la mode et de l’art, et à notre position actuelle d’un point de vue culturel ?
L’exposition est importante à plusieurs niveaux. À un moment où l’avenir du monde de l’art contemporain semble de plus en plus incertain, l’exposition établit fermement la mode comme égale aux autres formes d’art. L’essor des réseaux sociaux a transformé la mode en l’un des principaux moyens par lesquels les gens expriment leur identité — là où quelqu’un aurait autrefois peint un tableau ou écrit un poème, il communique maintenant à travers ses choix vestimentaires dans un selfie. La diversité des types de corps représentés dans Costume Art permet également à un plus large éventail de visiteurs de se voir reflétés dans l’exposition.
Pensez-vous qu’avoir des mannequins plus réalistes est quelque chose auquel la mode et les détaillants devraient prêter plus d’attention et adopter en dehors de cette exposition ?
C’est une question nuancée. Ces mannequins représentent effectivement des types de corps rarement vus dans la présentation traditionnelle en magasin, mais ils sont aussi hautement stylisés, avec des têtes standardisées — et je pense que c’était un choix curatorial judicieux. Les mannequins hyperréalistes peuvent produire un effet d’inquiétante étrangeté qui détourne l’attention des vêtements eux-mêmes. Dans mon propre art, cette qualité étrange peut être un outil puissant, mais elle n’est pas toujours appropriée pour la présentation en magasin.
Ce qui rend les mannequins de cette exposition si réussis, c’est l’équilibre qu’ils atteignent : des corps réalistes et variés dans des poses naturalistes — un résultat direct du processus de scan 3D — sans basculer dans un territoire troublant. J’encouragerais absolument d’autres marques et détaillants à suivre leur exemple.
